西方古典音乐的历程

中世纪 基督教的精神重视内心生活，所以对音乐的发展很有利。音乐很 早就开始在基督教教堂里发挥作用了。圣保罗告诫埃弗瑟斯人：“ 你要唱圣歌、赞美诗和宗教歌曲，在自己心里对主唱出和创造出 美妙的音乐。”教堂音乐接受了希腊人、希伯莱人和叙利亚人的 影响。把不断发展的圣咏及时集中到有组织的礼拜仪式中逐渐成 为必要的了。六世纪末，教皇格里高利一世改革了基督教的音乐， 所以习惯上把这些与格里高利一世的名字联系在一起，他的在位 期从590年到604年。 格里高利圣咏（也叫做无伴奏齐唱乐）从希腊和希伯莱音乐而来， 它也只有单一的旋律线。换言之，它是单声音乐的织体，没有和 声与对位。它的自由流动的声乐旋律精妙地配合了拉丁文歌词的 抑扬顿挫。格里高利圣咏的旋律没有规则的重音，它所表现出来 的可以叫作音乐中的散文节奏，或叫自由体节奏，这不同与我们 在二拍子或三拍子有规律的出现重音的音乐中碰到的那种韵律诗 节奏。 在罗曼风格时期（约850－1150），西方音乐史上出现了极为重要 的发展：复调音乐作为最重要的音乐风格而出现。这个发展与绘 画中的透视科学的发展大约是同时出现的，这样，具有深度的听 觉和视觉一起进入了欧洲文化，这必然产生出一些非常有意义的 作品。这一发展形成于哥特时代（约1150－1450）。这个时期里， 封建宫廷音乐家和行吟诗人的艺术使世俗音乐繁荣起来。更重要 的，在这个时期里建起了有唱诗班和管风琴的大教堂。建筑术的 进展，使宏伟大厦的建设成为可能，在音乐中也产生了相应的东 西。对位法的新科学达到了技巧的高峰。精通音乐的艺术家大部 是僧侣和教士，他们掌握了通过不同的对位手段来构成大型音乐 作品的艺术。在这时候，他们的主要兴趣放在音乐因素的结构性 结合上，这就解释了“作曲家”(composer)一词是从拉丁文comp onere(放到一起)派生来的，哥特时代后期有创造力的音乐家认 为自己首先是一个建筑能手。 文艺复兴 文学和绘画中的文艺复兴始于十四世纪，其中心是意大利。音乐 中的文艺复兴则始于十五世纪的尼德兰─法兰德斯地区。前期尼 德兰乐派的首领是杜非。后期尼德兰乐派的代表人物是若斯坎。 十六世纪，意大利人和尼德兰人成了并驾齐驱的形势。帕勒斯特 里那则把宗教音乐推向了高峰，他的音乐成为整个十六世纪的最 高代表。帕勒斯特里那在旋律的丰美和对位的巧妙上，可以跟美 术史上的大画家拉斐尔相比。 文艺复兴时期的绘画和诗歌与音乐有大量的联系。这些联系能更 清楚地证明艺术在当时的文化生活中所具有的莫大的重要性。在 文艺复兴时期的壮丽成果中，展现了重要的音乐作品。这些音乐 抛弃了中世纪的神秘主义，具有清晰、简朴和真诚的美的感染力。 巴洛克时期 巴洛克时期在1600年前后在意大利开始。在声乐中，作曲家创造 了新的单声部风格。器乐，特别是键盘乐方面也有巨大的进展。 音乐上的巴洛克时期以巴洛克晚期的作曲家韩德尔和巴赫为代表。 在英国，清唱剧在韩德尔的雄伟的不朽之作中达到了顶峰。韩德 尔以《弥赛亚》一部作品征服了英国人。 巴赫往往被认为是音乐艺术的创始者，而事实上他却代表着一个 长期演进的终结。他的工作所构成的是一个建筑的穹窿，是加在 一座伟大的庙宇上的圆顶。巴赫在声乐、器乐的各个领域都留下 了丰富的遗产。 在巴洛克时代，由于认识到人成了衡量一切事物的标准，所以对 人的各种感情和各种内心状态有过大量的思索，这就是说去探索 那些对我们的感情生活起决定作用而又隐藏得很深的力量。人们 认识到，各种各样的感情特别容易从音乐中反映出来。这种“情 感论”最初的出现同音乐和诗的出现有关，在这种结合中，通过 诗句把人的内心状态明白地表达出来。巴洛克时期发展了一种被 称作“音画法”的令人印象深刻的作曲技术，这种技术使得音乐 能生动地反映词句的内容。乐思的运动及方向——级进、追遁、 跳进、上行、下行——都通过旋律和节奏的运动鲜明地表现出来。 巴赫告诫他的学生“要根据歌词的意义去表现赞美诗”。巴赫用 上行的音调表示复活，用可能是沿半音阶下行的低音线条象征耶 稣被钉在十字架上时的痛苦，那蜿蜒起伏的主题则使人联想到撒 旦的诱惑。一旦音乐形象确立之后，它那图画般的特性就被抛弃 了，并将它按照纯音乐步骤发展成抽象的音乐材料。简言之，是 由纯音乐的想象来发挥作用了。 维也纳古典乐派 音乐中的古典主义时期是以四位维也纳乐派的大师——海顿、莫 扎特和贝多芬和舒柏特——及其同时代音乐家的成就为中心的。 他们的艺术是在进行伟大的音乐实验和发现的时代中成熟的。当 时，音乐家面临三个挑战性的问题：第一，探索大－小调体系所 具有的全部可能性；第二，完善一种纯器乐的大型曲式，这种曲 式能最大限度地发挥那些可能性；第三，区分已应用了这种理想 曲式的奏鸣组曲的不同变体——独奏奏鸣曲、二重奏鸣曲、三重 奏、四重奏及其它室内乐形式、协奏曲以及交响曲。 如果我们说“古典主义”一词，是指坚持传统的形式，那我们肯 定不能把这个词安在维也纳乐派的作曲家头上。他们在处理素材 时，不断进行大胆的实验。甚至从时间上说，古典主义这个词也 并不很适合于音乐。“古典主义”一词用于四位维也纳乐派大师 的艺术时，只有一个含义，但它却是最重要的一点：“从属于最 完美的秩序。”他们发展了一种器乐的动力性语言，对主题产生 和发展的过程来说是完美的手段。他们完善了由理性和逻辑产生 出来的庞大构思，它的整体结构十分灵活，足以让最多样化的情 感得以自由地表现。这样做使他们创造出了一个音乐思想和音响 的新世界。 浪漫主义时期 浪漫主义产生于法国大革命以后的社会的和政治的动乱之中，它 支配着十九世纪的艺术。早期浪漫派的代表人物有威柏和舒柏特。 舒柏特的艺术歌曲广为流传，而肖邦、舒曼和李斯特则把钢琴音 乐推向了新的高峰。柏辽兹、李斯特开创了标题音乐，俄国、东 欧和北欧作曲家的作品则带来了不同民族的风情。法国的比才、 意大利的威尔第和普契尼、德国的瓦格纳推动了歌剧的繁荣。 历史学家注意到艺术风格是在古典派和浪漫派这两个极端之间变 换的。这两派的艺术家都力求表达特定的感情，并寻求在完美的 形式中表现这种感情。但他们的观点不同。古典主义追求条理、 平衡和宁静，浪漫主义则要标新立异、渴求如醉如痴的狂喜。古 典派的艺术家在对待艺术和生活时有比较客观的倾向，他们力图 理智地观察生活，并要“完整地看到它”。而浪漫派的艺术家则 有强烈的主观色彩，从个人情感的角度去观察世界。德国哲学家 尼采在他的论艺术的文章中，戏剧性地将这大不相同的两派比作 阿波罗和狄俄尼索斯：阿波罗是光明和诗歌韵律之神，与之相对 的狄俄尼索斯则是酒神和热情之神。古典主义和浪漫主义交替出 现，甚至在开始就同时并存，是因为它们符合了人的自然本性的 两种基本动力：一方面，人需要节制，要求那种经过净化和受控 制的感情；另一方面，人又要求无拘束地表现感情，渴求未知的 和不可得的事物。 十九世纪的音乐是和梦想与激情、生与死的深刻思想、人类的命 运、神与大自然、对自己祖国的骄傲、对自由的期望、当时的政 治斗争以及善对恶的最后胜利联系在一起的。由浪漫主义运动引 起的这些理智上和感情上的联系，使音乐作为一种道德力量，作 为人类的伟大远见和人的内心生活与周围世界之间的直接联系而 取得了十九世纪的支配地位。 印象派——通向二十世纪之路 印象主义这个名称来自于莫奈的一幅取名《日出·印象》的油画。 它成为那些捕捉他们题材的视觉印象而不是如实的形象的一派画 家的标签。印象主义的音乐也把情绪和气氛看得比结构重要，也 歌颂大自然带给人们的喜悦。印象主义的音乐不久就以它的脆弱、 装饰性的美，它的刺激感官的音色，它对弱音响的喜爱，它的典 雅、精致和声音之美而独树一帜。它抛弃了华丽、庄重和严肃的 德国传统。这一乐派最重要的作曲家——德彪西和拉威尔也是在 法国产生。 二十世纪的音乐 在二十世纪以前，从来没有过一个对所有艺术作出这样众多实验 的时期：在绘画和雕塑中，实际对象的描绘用单纯的色彩、线条 和形状代替；在文学中，小说和其他传统的叙述性体裁被文字的 自由联合所取代；在音乐中，无调性和序列技巧把传统和声和调 性全部剔除。音乐在二十世纪中走了两条主要的道路。第一条由 兴德米特、巴托克和斯特拉文斯基这类作曲家领路，他们摒弃了 传统的调性概念，并改变了调中心的建立与使用方法。第二条由 勋柏格领路，他彻底否定了调性，发展了一种使用序列组织音乐 的新方法。